昨晚，中国民族电影交响音乐会《辉煌与梦想》在世纪剧院上演。本次音乐会从新中国成立60年来取得较高音乐成就的经典民族电影中，概括出“爱情”、“英雄”、“母亲”三大主题，经再度创作形成三大乐章，分别由谢鹏、三宝、徐晓明进行创作，北京电影交响乐团演奏。50分钟时长的交响音乐均为原创音乐。演出中，三组经典民族题材电影插曲轮番演唱，LED大屏幕呈现的视频画面围绕主题，对160部具有浓郁民族风情的电影进行了精选编排，让观众在欣赏交响乐的同时，也重温了中国民族电影60年来发展的历史。演出前，本网记者对此次音乐会作曲之一的青年作曲家、中央音乐学院教师谢鹏进行了专访。

【对话谢鹏】

青年作曲家、中央音乐学院教师谢鹏

　　谢鹏，青年作曲家，15岁开始学钢琴，虽然起步较晚，但经过三年的努力，也小有所成，1995年考上了当年全国只招6名学生的中央音乐学院作曲专业。16岁时，他的第一部音乐歌曲作品《大海的痴情》获陕西省第二届“艺术歌曲创作比赛”青少年组第一名，这个年轻人在音乐上的才华初露头角。25岁之前，他专研西方音乐，25岁之后，开始关注中国民乐，并决定为推广中国民族音乐倾其一生。

　　今年36岁的谢鹏，是中国作曲界的年轻一辈，也是不容忽视的一辈，国内许多大型活动都会出现他的身影，年纪轻轻就可谓“著作等身”。在人才济济的音乐学院，他也颇受关注，其作品在国内外大赛屡获大奖。现在，谢鹏经常诵读唐诗宋词，他说，学多了西方音乐，你会感到它给你的只是一个骨架，而中国传统文化和中国民族文化才能给你血与肉的创作灵魂。

　　灵感：这次写“爱情”是天赐良机

　　千龙文化：作曲家都会好几种乐器，您是否也是一样？

　　谢鹏：我15岁开始弹钢琴，少数民族乐器方面，会吹葫芦丝，二胡会一点。从15岁到25岁，我对西方音乐还是比较精通的。25岁之后，在台湾获得国际华人民族作曲大赛第一名之后，我开始关注中国本土的音乐及乐器，并开始热爱它们，从这之后，我经常和民族演奏家交流，25岁到现在，我对民乐越来越了解，达到精通还不能说。

　　千龙文化：作曲家需要具备哪些基本素质？

　　谢鹏：首先要有一颗善良的心，在这基础上才能产生出纯真的情感，剩下就是勤奋了。我们这个圈里有句话：百分之四十靠努力，百分之六十靠天赋。努力达到极致，天赋跟不上的时候，你会觉得很苦恼，最直接的后果是写不出东西来，即使写出来的东西也可能只是技术的堆砌。

　　千龙文化：您对电影音乐最初的记忆是什么？

　　谢鹏：儿时记忆是最珍贵的，对我们作曲家来说也是这样，创作灵感有时就来自小时候的记忆。第一次看《辉煌与梦想》演出的时候，我觉得太亲切了，就像回到小时候，我坐在小石凳上，和爷爷奶奶一起看露天电影。而现在的电影纯属享乐。小时候看《大闹天宫》是全民乐配乐，一种西洋乐器都没有，那种配乐特别贴切。孙悟空翻跟头都是京剧锣鼓点儿，要拿铜管乐配的话就不是孙悟空了，那是蜘蛛侠。

　　千龙文化：您经常采风吗？

　　谢鹏：会。像这场音乐会的第一个主题“爱情”，就是源于我之前创作的一个舞剧。我去西藏，无意间听了一首民歌，是当地一个老妈妈送自己女儿出嫁的一首旋律。虽然我听不懂歌词，但隐约能听出来那种挽挽不息的离别之情。不是痛苦，是带有祝福味道的挽留之情。这个旋律经过我的改造，变成了以爱情为主题的曲子。当时是用笛子吹的，是西藏人表演的舞剧。我一直想把它弄成交响乐，一直没有机会实现。主办方这次找我写“爱情”，真是天赐良机。
 

现状：我们现在处在一个反省期

　　千龙文化：中国作曲水平和以前相比，是上升还是下降了？

　　谢鹏：这是我们作曲界的痛处。中国的音乐史是很奇怪的，有它自己的特点。我们是7年一辈，不分代，只分届。谭盾他们是77届，我们是95届。我是中国作曲界的年轻一辈。77年以前，我们对外面一概不知。77年，谭盾等人入校后，正赶上祖国大陆对外开放，他们第一拨接触到了国外的先锋音乐，就形成一个潮流，大家都在模仿这种先锋音乐创作，作品中加入了中国本土的文化，比如“埙”。国外的人从来没有见过这种乐器，但音乐语言他们又非常熟悉，所以说，谭盾他们刚起来时就形成一个高潮。要说我们中国作曲进步了还是倒退了，我觉得不能简单比较。一个时代和另一个时代是没有可比性的，人才还会慢慢出来。应该说，现在的条件比他们那时好多了，接触、收集资料比较容易。我觉得我们现在处在一个反省期。

　　千龙文化：您为电影作过曲吗？

　　谢鹏：作过。2000年，我24岁，为一部科教影片《宇宙与人》作曲，获得联合国教科文组织颁发的“最佳音乐技术奖”。

　　千龙文化：您觉得现在中国电影配乐存在哪些问题？

　　谢鹏：中国电影在创作时缺少和作曲的交流。国外从初期，在讨论剧本的时候，作曲已经参与进来，从那时就在培养情绪了。而中国制作电影的流水线是，先把画面做完，然后找一个作曲说，“你给我配一段。”注意是“配”，它不是创作，而且时间很紧，就像讨价还价，“两个礼拜不行！一个礼拜！”以这种状态来创作的话，还不如不做。这是中国电影界一个总体的问题。《红色娘子军》这个样板戏是我师爷配的，他们光配器就用了2、3个月，而且非常投入。如今社会浮躁，让人无法把心静下来，现在的中国电影市场的创作流程是违反艺术规律的，要改变也不是一朝一夕的事情，还要大家一起努力。

　　千龙文化：国外乐团在国内演出的上座率比中国民乐演出的上座率要高，您对这个现象怎么看？

　　谢鹏：第一个原因就是，我们的作品太少，我们现在演奏的还是六七十年代的民间合奏，不是由专业作曲家创作的作品，当然，曲子本身没有什么问题，但是听多了会有陈词滥调的感觉，很难产生欣赏的冲动。从这一点来说，我们作曲家是有责任的。第二个原因是宣传问题，我们目前还处在一个崇洋媚外的阶段，现在中国本土文化还没有上升到文化领袖的地位。所以媒体、官方、个人应该携手，力争把中国民间音乐传承下去。
 

愿望：推广“中国民族交响乐”

　　千龙文化：中国民族音乐和西方交响、摇滚乐的区别？

　　谢鹏：这是两种美学观念。西方音乐讲究立体感，讲究结构。而中国讲究意境，就是我们所说的大音希声、大象无形，一个“音”中，我们可以从中体验到人生各种阶段。而西方音乐讲究的是哲理性，比如说1加1等于2，讲究的是绝对化的东西。所以说从这个层面来说，中西音乐是两种完全不同的文化。当表现同一个主题时，大家内心情感是一样的，只是表现手段不一样。

　　千龙文化：中国民族音乐在国外的反响如何？

　　谢鹏：反映很好。只要我们业内人士觉得这个作品不错，那在外面的口碑也是很好。我的一生都要为中国民乐而奋斗，力争写出好作品。让国外清醒的认识到中国民乐到底是什么样的！他们有时候对民乐有误区，他们会说：这个音为什么不准呢？其实，我们的律制和西方不同，我们是五度相生律，他们是十二平分律，所以要让他们把眼睛擦亮，让他们看到中国民乐到底出什么声！举个简单的例子，国外的小号一出来，所有的旋律都听不见了，这是一个声学的问题，但中国的唢呐一吹，所有的铜管乐器都听不见了。

　　千龙文化：用交响乐演奏中国民乐，这种方式好么?

　　谢鹏：非常好。比如俄罗斯，他们有很多民歌，但他们国家的乐队形式只有交响乐。民歌这种体系是一脉相承的，不分国界，只要你做的好，一定会有人知道。包括像以前我们的《红色娘子军》等样板戏，艺术价值都非常高。我们除了有交响乐，还有特有的传统的民族乐器。我的愿望就是把中国民乐推向世界的舞台，让世界知道还有第二种类型的乐队，叫做“中国民族交响乐”。


 

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人物｜对话作曲家谢鹏

今天，我们很荣幸地请到**音乐学院作曲博士谢鹏，与我们聊聊他的《紫弦》和创作心得。

 

 

 

 

 

谢鹏 

 
 

主要获奖作品：

 民族室内乐《玲珑》获首届台湾国际华人民族音乐创作大赛金奖及最佳观众票选大奖；民族管弦乐《奔腾》获文化部、中国民族管弦乐学会第三届华乐论坛暨“新绎杯”青年作曲家民族管弦乐作品评比金奖；交响乐《爱情》获第四届全国少数民族会演作曲金奖民族室内乐《秦迹》获中央音乐学院首届“炎黄杯”作曲比赛二等奖；舞蹈诗《沉沉的厝里情》（音乐）获第十届中国文华最佳优秀剧目创作奖;获第九届中国舞蹈“荷花奖”舞蹈诗金奖。 

 

 主要个人作品：

 民族室内乐《翩跹》；《隐仙》。民族管弦乐《逸仙谷境》；交响乐《月挂疏桐》，《卿逸》；交响乐《柏坡交响》（为建党六十周年而作）；舞蹈音乐《水姑娘》（北京舞蹈学院委约，该作品获“荷花杯”全国舞蹈比赛金奖）；三弦协奏曲《弦逸》；琵琶协奏曲《唐琬》；民族管弦乐《土家随想》；《嘎达梅林》；《逸仙谷境》。古筝第一协奏曲《采薇》；古筝第二协奏曲《灵修》。民族管弦乐《奔腾》。

 

 主要舞台剧作品：

 2006年应邀在张艺谋大型实景景观舞台剧《印象丽江》中担任管弦乐作曲；2007年在大型实景舞台剧作品《鲁般鲁饶》中担任作曲（张扬，李亚鹏出品），同年为澳门第一届葡语系运动会开幕式作曲；2008年在北京舞蹈学院大型中国古典舞剧作品《唐琬》中担任作曲；2009年在《河姆渡国际文化节开幕式》中担任音乐总创；2009年在福州歌舞团舞剧作品《坊巷春秋》中担任作曲；2009在首届国际古筝艺术节开幕式中担任音乐总监；2011年在北京市文化局、北方昆曲剧院话剧作品《旧京绝唱》中担任作曲；2012年在厦门“小白鹭”民间艺术舞团舞蹈诗《沉沉的厝里情》中担任作曲；2013年在中国歌剧舞剧院大型舞剧《孔子》中担任作曲。

 

 

问：谢鹏老师，您好，首先感谢您在百忙之中接受我们筝乐黑白的采访。请问是何种机缘让您创作了《紫弦》这样一首古筝独奏曲呢？定名为《紫弦》，有什么独特的含义吗？

主持人好，筝乐黑白的各位读者好。是这样的，2014年**音乐学院的周望老师以“**音乐学院弹拨音乐节”的名义委约我创作一部民乐作品。当时周老师希望我写一个重奏作品，但是我考虑到之前已经创作了大量的民乐重奏作品，而没有一个古筝独奏作品，所以我就创作了《紫弦》。至于定名为《紫弦》，这是我对当今的社会现状，尤其是人与人之间一种状态的客观表达。它就如同画家手中最难调配的色彩——紫色，神秘而复杂，有无数种可能，让人难以抉择。

 

 

 

显而易见，《紫弦》是一首现代筝乐作品，它对于演奏者的技巧要求极高，类似钢琴中的“练**曲”，请问这是您创作此曲的初衷吗？

这是我创作《紫弦》的一个初衷，但不是仅仅于此。在我看来，所有民族乐器中唯一能跟钢琴媲美的就是古筝了，但二者在各自的发展中却有着许多的不同。钢琴在其发展多年后，有相应的教材，诸如练**曲、乐曲等等，与之配合，而历经千年的古筝，我觉的还一直陷在过去的语境当中，比如“吟揉滑按”这些传统技法都是在表现单音的一种音色，因而我就想突破这种语境，让古筝散发出一种前所未有的一种音乐的形态。我在创作《紫弦》时，就带着两个问，一个是从演奏家的角度，看他的极限在哪里？一个是从古筝的表现手段角度，它的极限在哪里？

 

您能为我们的读者稍微介绍一下《紫弦》吗？

《紫弦》所有的音乐语言和作曲技法都是我深思熟虑后的结果，是一部很理性而非感性的作品, “泛调性”而非“实验性”的作品。其中，和弦的设定带有“泛调性”的色彩，比如音块、复杂和弦、叠置和弦等等。而且，乐曲起始的散板与传统的散板不太一样，这个散板不是意境化的表现，更多的是一种情绪化、富有张力化的表现。所以听众在听这段音乐时，会感觉音乐时而极慢，时而极快，对比很明显。

 

 

那您在创作时有什么特点吗？《紫弦》有什么创新之处呢？

我比较偏向于用传统的音色，来达到现代性的一个声响，这也是我作曲的一个特点。我不去改变古筝固有的因素，只是增加它的演奏技法，一种最朴实、最单纯的手法。这个曲子如果从创新的角度来看，我觉得可能是它的技术。我把左手作为这首曲子的重点。以往古筝的左手经常就是放到码子的左边去摁，去变化音高，或是吟揉，来改变音色，但是在这首作品中这种情况非常少，因为《紫弦》的左手和右手基本上是平衡的，也就是说右手能怎么弹，左手也能够达到一样的技巧，所以这首乐曲就比较“钢琴化”，因而这个作品，在我拿给钢琴系的老师看时，他们也反映跨度大、有难度。

 

 

 

 

您对中国民乐的发展有何思考呢？

对于中国民乐的探索，作曲家们一直在做着各种各样的努力和尝试。我觉的，20世纪是一个学**、采纳的阶段。而21世纪则是一个反思的阶段，其中一点，就是中国作曲家如何运用国际的语法、国际语言，使其更好地和我们本民族的音乐语言相结合。东西方文化的跨界与融合，是中国民乐发展不可忽视的因素。

 

 

谢谢老师！希望以后可以听到您更多优秀的民乐作品！

 

 

演奏者简介

郑羿，五岁学筝，10岁之前获得过十余种金奖。2008年以第一的成绩考入西安音乐学院附中，在校期间多次获得专业奖学金和一等奖学金。获得的第二届敦煌杯北京国际民族器乐大赛专业少年组金奖，第三届敦煌杯北京国际民族器乐大赛专业青年组金奖等。2014年以全国排名第一的成绩考入中央音乐学院民乐系（除本校推荐生），师从于著名教育家演奏家李萌教授。2015获得**音乐学院国家奖学金。多次随绿手指筝乐团多声筝剧场的演出。