作曲家杨青先后创作了各类作品数十部，既有民族器乐合奏、重奏、协奏曲，室内乐、艺术歌曲、大合唱，又有影视音乐、舞蹈与舞剧音乐。

作曲家杨青

杨青，著名作曲家，北京首都师范大学教授、博士生导师，中国音乐学院特聘教授，现任首都师范大学音乐学院院长。

北京音乐家协会副主席，中国民族管弦乐学会副会长，中国音乐家协会理事，《音乐创作》编辑委员会委员。

作为一名作曲家，杨青先后创作了各类作品数十部，既有民族器乐合奏、重奏、协奏曲，室内乐、艺术歌曲、大合唱，又有影视音乐、舞蹈与舞剧音乐，例如:《苍》、《觅》、《竹影》、《伊人》、《水中的舞蹈》、《兰花花》、《北京述说》等。

您创作了很多的知名作品，影响都非常大，那么您在作曲方面取得成功的经验是什么？

杨青：我觉得概括说来有五个方面：第一，要热爱作曲，热爱创作。如果不够热爱，很难有创作的激情。其实很多作曲者，并不是十分热爱作曲，他们只是在痛苦的挣扎着。我觉得想成为优秀的作曲家，首先要树立一种对作曲的热爱。

第二，要构建自己独特的语言。中国乃至世界上的作曲家数不胜数，想要脱颖而出，必须要有自己个性的语言。如果千篇一律，没有自己的个性，那么成功的可能性就不大。个性语言的建立，一方面来源于作曲家对自己出生的地方，以及长期工作和生活的地方建立的一种血脉上的联系。当地的风土人情、民俗文化、方言、音乐、戏曲、歌舞、甚至地方的饮食，都会使他慢慢形成对作曲语言的独特追求，但这也是要建立在热爱作曲的基础上。当作曲家对这里的山水风景和风土人情抱有深深的热爱，有着深厚的感情，他才能建立自己独到的语言，他才能有意识的去追寻。如果他对当地并不了解，一无所知，他就不会有意识的去追求。

另一方面，在作曲家创作的笔触上，虽然看起来都是五线谱，大同小异，都是只有几个音符，可能最多就十二个音或七个音，但是如何合理巧妙的安排和运用这些音符，是一件非常有意思的事情。为何不同的作曲家创作出来的东西不一样？这是因为每个人对声音的追求，对呼吸的追求各有不同。虽然大家所学技术都一样，都是书本上学到的和声、曲式、复调、配器这些知识。当把这些真正运用到自己的写作中，作曲家对音乐的感受，对音乐的走向，这种浓淡的把握和处理，肯定完全不同，每个人都有自己独特的追求，这样他才能形成自己独一无二的音乐语言。这种语言不仅涉及风土人情，还牵扯到一些多样的文化内涵。

第三，要有扎实的基础。如果没有扎实的基本功训练，没有经过千百次锤炼，那是不可能成功的。比如写作乐队，需要作曲家了解不同乐器之美，知晓每一件乐器的特性，发音的特点，以及不同乐器结合在一起能产生何种的效果，这些都要非常认真的学习和体会。现在的音乐学院中，一般作曲系学生要求五年毕业，其他专业则不一样，只需四年。音乐学院中，作曲专业和指挥专业都要求五年毕业。为什么这么做？因为这两个专业确实需要学习掌握更多的专业技术与文献资料。

第四，要有广阔的视野。因为我觉得一个好的作曲家不应该只是一个单纯的匠人，他应该关注广阔的领域，对美术、舞蹈、影视、电影这些姊妹艺术都应该有所涉猎，甚至美学、哲学、数学、物理都要有所了解。在涉猎广泛，眼界开阔的积淀中，可能不知道哪方面的内容就触动了他创作的神经，给予他创作的灵感。

第五，我觉得最重要的一点是要有情感。其实情感说起来是很模糊、很抽象的。什么叫有情感？就是创作出的音乐是否动人，这是非常重要的。只有技术，只有个性，只有很高的知识素养，不见得能写出优秀的曲目。

音乐是最淳朴，最能直击人心，引起共鸣的一种艺术。听到好的音乐，人会不由自主的被打动，旋律、和声，甚至一件乐器的发声都会把听众感动的落泪。作曲家首先应该建立一种真挚的情感，这种情感首先是对人而言。不仅是对自己的亲人，对自己熟悉的人，甚至对所有的听众都要抱有这种情感。再上升一个高度，就是对全人类要怀有真挚的情感。当然，我们是中国人，是中国的作曲家，更要对我们的国家和民族怀有热爱而真挚的情感。

虽然作曲看上去只是在运用一些抽象的符号，但是它的落点是每一个活生生的人，是对所有人都带有的深深情感。这种情感的出发点一定是善良，凡是伟大的作曲家都对人类怀有一颗善良的心。这种大爱一定会反应到创作当中，反应到每一个音符上，他们对自然，对生命都有着深层的尊重和敬畏。

作曲家当然要个性禀赋，否则不可能脱颖而出，当然也要有扎实的基本功，但如果只能偶然写一、两条不错的旋律，那么你的成绩只能如昙花一瞬。要打动更多人，还是要热爱创作，拥有个性化的语言，精湛的技艺，广阔的视野，充沛的感情，这样的话，呈现出的作品才能真正令人印象深刻，直指人心。所以我觉得一个作曲家想要成功，需要集五个方面于一体。

从您担任首都师范大学音乐学院院长以来，音乐学院取得了一系列的成就，请您就管理方面的一些成功经验与大家进行分享。

杨青：我觉得首先是要设定办学目标。当院长和作曲家其实并不矛盾，作曲家要调动很多的音符来达成创作的艺术价值，每一个作曲家在创作一个作品的时候，就能大致判读出最终呈现作品的艺术价值和艺术品质。院长和作曲家一样，首先要清楚学院最终想要达到什么样的水准，并通过调动所有的师资力量来达成这一目标。简单来说，就是能把所有人都团结到一起，尊重每个人的个性，奉献精神和劳动，这样可能就能达到设定的目标。

担任院长和作曲有着非常直接的关系。作为院长要设定目标，创作作品亦如此。创办一个学院，首先需要院长设定目标。我刚来音乐学院的时候，音乐学院只能招收硕士生，并没有博士的招生资格，这样的学院必定不是在全国名列前茅。作为一个学院来讲，如果没有构建全国最高的学术平台，那么肯定是二流甚至是三流的学院。面对这样的现实，我想要构建最高的学术平台，招收博士生，究竟该怎么办？第一步，我们要尽可能集中最优秀的团队，顶尖的师资力量。我们对当时现有的师资力量进行整合，某一块匮乏师资，我们就到全国甚至全世界寻找，一定要把人才队伍建设好。就像作曲，当把所有的乐器都准备好了，做好前期的准备，效果自然而然就显现出来了。当学院的人才梯队在全国有影响力的时候，当全国院校都很尊重我们学院，觉得首都师范大学音乐学院很优秀的时候，这时再去教育部申请博士招生点，就是自然而然的事情了。

第二，学院要有自己的艺术品牌。作为一个艺术院校，我们集全院之力，创作过一部有影响力、有艺术品质的舞剧《白鹿原》。我之前在中国音乐学院当老师，现在来到首都师范大学音乐学院，到这边后，我就在思考如何将音乐和舞蹈更好的结合在一起。我们不能只是单纯的用语言描述学院有多高的水准，我们要做的是把实在的艺术作品展示给所有人，当所有的院校看到我们作品的时候，给予一致肯定才可以。我想我们能不能做舞剧，但是做舞剧是非常困难的一件事，大家一开始都觉得信心不足，对于我们这样的学院来说，创作一台舞剧是不可思议的一件事。我们把学院的舞蹈教师和学生，作曲系的教师和学生整合起来，真的将这个舞剧呈现出来了。舞剧在社会上反响十分强烈，得到了大家的很多好评。大家都觉得首都师范大学音乐学院和其他院校不一样，它不仅仅可以创作音乐，也可以创作舞蹈，这个舞剧确实是一部不可多得的艺术作品，虽然不能堪称完美，但是它至少是真挚且具有较高的艺术品质。

在国内取得了不错的成绩，有了影响力，也一定要在国际上崭露头角。所以我们也在积极的开展国际学术交流。目前，我们已经参加了五次在韩国大邱举办的“国际音乐节”。每年我们都组团参加，把学院教师的作品以及演奏团队带到音乐节，让大家认识到首都师范大学音乐学院的作品写的非常好，演奏团队也优秀，所以他们对我们非常尊重。这个音乐节吸引了世界各地的音乐家，亚洲地区以及欧美地区的很多著名作曲家、音乐团队都有参与。在这样的艺术平台上，向世界展示首都师大音乐学院的艺术影响力具有重要意义。

我们学院也在与美国肯恩大学、加州大学洛杉矶分校以及德国汉堡音乐学院进行艺术交流，建立了紧密、深层次的学术合作。我们学院作曲家创作的作品请他们的演奏家进行演奏，他们的作曲家创作的作品，请我们的演奏家进行演奏，双方学校共同组成演出团队，演出各自作曲家的作品，这种深度的学术合作开拓的比较好。首都师范大学音乐学院不仅要在中国占有一席之地，在世界上也要有一定的知名度，我们的这种交流会持续开展。这种深度合作，也让我们的教师看到，中国的艺术教育和国外存在哪些差距，国外院校教师的艺术状态是怎样的，我们能不能达到他们那样的状态。

另外，我担任首都师范大学音乐学院院长之前，学院的器乐系团队并不是十分完整，我们筹建了一个民族室内乐的团队。我们为了建设好这个团队，到上海进行采风，恰逢当时的一个契机，即“上海之春国际音乐节”举办，其中有一个“江南丝竹”的比赛。“江南丝竹”是江苏南部和浙江一带非常著名的乐种。我们组织学院老师下到上海地区基层的文化馆中，到那里去欣赏里弄里丝竹乐队的演奏，这种演奏完全是民间的。其实很多宝贝都藏在民间，我们学院的老师认真学习了几天，听老艺人们讲解，并和他们一起排练，那些老艺人非常尊重我们，他们觉得，首都师范大学音乐学院的老师千里迢迢到这里向他们认真请教学习“江南丝竹”，非常令人感动。通过这样的思路我们近距离、深层接触到了“江南丝竹”，在“江南丝竹”的比赛中我们获得了不错的名次，夺得了银奖，我们团队能获得银奖，也是很了不起的一件事。

之后，全国又搞了一次比赛，是由文化部主办的“文华奖”，其中也有民间组合的比赛，我们这个团队仍然选取“江南丝竹”的作品参赛，我们获得了最高奖项。作为评委之一的香港中乐团音乐总监阎惠昌对某一个乐团说道，你们真应该向首都师范大学音乐学院学习，他们这个团队基本都是北方人，但是他们对于“江南丝竹”的深刻理解和体会超越了很多人，他们确确实实热爱“江南丝竹”。通过这样的方式，第一，让我们的教师感受到很多民间的艺术都是瑰宝，这些民间艺术应该进入我们的课堂；第二，之前大家都是单打独斗，比较零散，很少在一起合作，通过这样的方式，使得大家能在一起互相切磋，探讨音乐、精诚合作，促进了教师们对于音乐的深层领悟。

这个团队不仅演奏民间乐种，他们还与韩国和美国同行们合作演奏现代音乐作品，这个团队现在彼此之间非常默契，大家对音乐的追求，对艺术的追求，慢慢达成一个共同的目标，大家都有着更高的追求。

我觉得办学的意义在于，第一、要选定一个目标，确定你想做成什么品质的音乐学院；第二，要有自己的艺术品牌，不管是舞剧也好，演出团队也好，要让社会上的其他院校能够信服，不能只是自吹自擂，要有实实在在的艺术品牌，这样别人才能对你真正服气。

我来首都师范大学音乐学院当了十几年的院长，我们的教师非常的配合，十分支持我的工作，我们的教师也很优秀，大家能够在共同追求相同艺术目标的情况下，逐渐融合成一个温馨的大家庭。虽然当中也有矛盾，也有对于艺术的不同见解，但是在艺术的总体走向上大家都是一致的、团结的，这也是我当了十几年院长的慰藉所在。

请您介绍一下您作曲的风格和特点？

杨青：其实我创作的很多作品都有不同的风格。我既写过民乐，写过独奏、室内乐、合奏协奏曲，不同类别从小到大都写过，我也写过交响乐，写过独奏室内乐，包括大型的乐队。我还写了五、六部舞剧，第一部舞剧《兰花花》是民乐，剩下的四、五部都是用交响乐创作的。我创作了很多影视音乐作品，和吴子牛导演，张今标导演都有过合作，比如《国歌》、《毛泽东和他的儿子》、《大磨坊》等作品。

我觉得每一个作品的风格都是不太一样的，有的作品大气磅礴，有的作品委婉细腻，有的作品比较抽象，每个作品呈现出的感觉都不尽相同。

有些人说我的风格带有一定的文人特色。我作品中的很多题目都和竹子有着千丝万缕的关系，如《雨竹》、《竹影》、《竹语》等。竹的挺拔洒脱、正直清高、清秀俊逸是我国文人的人格追求，这也可能是我钟爱于它的原因之一。

我很喜欢传统的古琴曲，经常会去欣赏。我非常欣赏中国古代文人的审美特质，气节以及对艺术的追求，虽然他们的追求截然不同，但总体来说，他们都具有文人的气质，这种气质会直接反应在他的作品当中。他们大多数都忧国忧民，对大地有着深深的热爱。很多人都听到过古琴名曲《高山流水》，知晓音乐背后的这个故事。俞伯牙在荒山野地弹琴，樵夫钟子期竟能领会，并描绘到“峨峨兮若泰山”和“洋洋兮若江河”，俞伯牙惊道：“善哉，子之心而与吾心同。”在钟子期去世后，伯牙痛失知音，摔琴绝弦。这种交往反映的正是创作者和欣赏者之间的关系，我觉得非常的感人。

总的来说，我很喜欢从中国古代到中国近代的大知识分子，我特别欣赏他们的气质、气节、审美以及他们对于美的追求，还有他们对于民族的责任感，甚至抱负。我努力的想在我的作品中展现出这样的气质。